Deconstruyendo La Forma del Agua El Amor Monstruoso de Del Toro

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**Guillermo del Toro** es un arquitecto de sueños y pesadillas, un maestro contemporáneo del cuento de hadas para adultos, donde la belleza y la bestia a menudo intercambian roles y la verdadera monstruosidad reside en el corazón humano. Su obra de 2017, ***La forma del agua*** (The Shape of Water), no es solo una película, sino una inmersión profunda en su universo estético y temático, una fábula de amor improbable que desafía las convenciones, se alzó con cuatro premios Óscar —incluyendo Mejor Película y Mejor Director— y solidificó su posición como uno de los narradores visuales más singulares de nuestro tiempo. A cinco años de su estreno y su arrollador éxito, esta pieza de fantasía romántica merece una re-evaluación que explore cómo su mensaje sobre la otredad, la empatía y la libertad sigue resonando con una urgencia conmovedora en un panorama social y cultural en constante evolución. ¿Cómo logra Del Toro subvertir los tropos clásicos para entregar una historia tan tierna como visceral, tan poética como política, y por qué su «monstruo» sigue siendo uno de los personajes más humanos del cine reciente?

Guillermo del Toro ha cultivado una filmografía inconfundible, marcada por una profunda fascinación por los monstruos, la fantasía gótica y la compleja moralidad. Desde *El Espinazo del Diablo* hasta *El Laberinto del Fauno*, sus criaturas son a menudo víctimas incomprendidas, y sus mundos, aunque fantásticos, reflejan las crueldades y las maravillas de la existencia humana. ***La forma del agua*** es el culmen de muchas de estas obsesiones. La idea central de la película, la de un romance entre una mujer y una criatura anfibia, se gestó en su mente hace décadas, inspirada por la icónica *La mujer y el monstruo* (Creature from the Black Lagoon, 1954), pero con un giro fundamental: ¿y si la criatura y la mujer realmente se enamoraran?

Ambientada en 1962, en el apogeo de la Guerra Fría, la película se beneficia enormemente de su contexto histórico. Baltimore se convierte en un escenario de paranoia y secretismo, donde el miedo al «otro» (ya sea el enemigo soviético, el diferente, o lo desconocido) es palpable. Este telón de fondo no es meramente decorativo; amplifica los temas de la exclusión social y la opresión. Los personajes principales son, en su mayoría, marginados: Elisa Esposito (Sally Hawkins) es muda y huérfana, y trabaja como limpiadora; su amigo Giles (Richard Jenkins) es un artista gay envejecido y desempleado; y su compañera Zelda (Octavia Spencer) es una mujer afroamericana con un matrimonio insatisfactorio. Todos ellos viven en los márgenes de una sociedad que valora la «normalidad» y la conformidad, encarnada por el villano Richard Strickland (Michael Shannon), un agente gubernamental machista, racista y sádico, cuya «normalidad» es, de hecho, la verdadera monstruosidad de la historia.

En su núcleo, ***La forma del agua*** es una audaz deconstrucción del arquetipo de «La Bella y la Bestia». Del Toro invierte la dinámica: aquí, la «bestia» no es un príncipe disfrazado esperando ser redimido por el amor de una mujer, sino una deidad anfibia con una sabiduría ancestral, mientras que la «bella» es una mujer muda que encuentra en esta criatura su alma gemela, su reflejo. La mudez de Elisa es clave; le permite comunicarse con la criatura de formas no verbales, trascendiendo las barreras del lenguaje y la especie, estableciendo una conexión pura y visceral. Su silencio no es una limitación, sino una forma de apertura a otras formas de entendimiento.

Los temas de la película son ricos y entrelazados. La **otredad** es central: la criatura es un espécimen exótico, una «aberración» para la ciencia militar, pero para Elisa, es un ser de una belleza y pureza extraordinarias. La película celebra el amor por lo diferente, lo marginal, lo que la sociedad rechaza. La **soledad** es otro pilar narrativo; Elisa, Giles y Zelda están solos a su manera, y es en su unión para proteger a la criatura donde encuentran un propósito y una comunidad. La película también aborda la **empatía** como el antídoto contra la crueldad y la intolerancia, representadas magistralmente por Strickland, cuyo miedo y desprecio por lo desconocido lo llevan a actos de barbarie. Él es el verdadero «monstruo» de la historia, un hombre que ejerce su poder con sadismo y que representa la parte más oscura de la humanidad, en contraste con la sensibilidad y nobleza de la criatura.

La narrativa fluye como el agua misma, un elemento que es una poderosa **metáfora** en la película. El agua es pureza, vida, transformación, comunicación (el lenguaje de señas de Elisa, el hábitat de la criatura). Es también el medio a través del cual el amor de Elisa se expresa y se consuma, una fuerza que disuelve barreras y fronteras, permitiendo una unión que desafía la lógica y las expectativas. El clímax de la película, con la transformación de Elisa, sella esta conexión líquida, sugiriendo que el amor verdadero no solo une, sino que también nos convierte en algo más, nos libera de las limitaciones terrenales.

El genio de Guillermo del Toro no se limita a la escritura; se manifiesta plenamente en su dirección y en la meticulosa creación de mundos. ***La forma del agua*** es un festín visual y auditivo, una sinfonía de tonos verdes, azules y dorados que evocan una atmósfera de sueño húmedo y nostalgia. El director de fotografía Dan Laustsen (colaborador frecuente de Del Toro) utiliza la luz para crear una paleta visual exuberante, con sombras profundas y destellos de neón que recuerdan al cine *noir* de los años 50, mezclado con la estética de los cómics pulp y la imaginería de cuentos de hadas. Cada encuadre es una pintura, cada movimiento de cámara, una danza.

El **diseño de producción** de Paul D. Austerberry, galardonado con un Óscar, es fenomenal. El laboratorio gubernamental, con sus azulejos de baño y sus luces fluorescentes, contrasta con el acogedor pero humilde apartamento de Elisa, lleno de pequeños detalles que revelan su mundo interior. La criatura anfibia, encarnada por el inigualable Doug Jones (quien colabora habitualmente con Del Toro), es una maravilla de diseño práctico y efectos visuales, combinando lo ancestral con lo alienígena, lo amenazador con lo vulnerable. Su expresividad, lograda a través de prótesis y la maestría de Jones, es fundamental para humanizar al «monstruo».

El **montaje** contribuye a la fluidez narrativa, mezclando la tensión del thriller de espías con la delicadeza del romance y momentos de fantasía onírica. La **música original** de Alexandre Desplat es una de las joyas de la película, habiendo ganado un Óscar. Su partitura, etérea y melancólica, con toques de acordeón que evocan la música francesa, subraya la naturaleza romántica y melancólica de la historia. El diseño de sonido también es crucial, especialmente al retratar el mundo silencioso de Elisa, que se abre a los sonidos del agua y de la criatura. La ausencia de diálogo de Elisa, por momentos, intensifica su presencia y su capacidad de comunicar a través de gestos y miradas.

Desde su estreno, ***La forma del agua*** fue recibida con aclamación universal, culminando con el León de Oro en Venecia y, por supuesto, el Óscar a Mejor Película. Su éxito no fue solo un reconocimiento a la destreza técnica y artística de Del Toro, sino también una validación de que el cine de género, cuando se ejecuta con visión y corazón, puede alcanzar las más altas esferas del arte cinematográfico. La película demostró que una historia de fantasía, centrada en un romance inter-especies, podía ser tan profundamente humana y relevante como cualquier drama «serio».

Hoy, su relevancia persiste, e incluso se intensifica. En un mundo que a menudo parece cada vez más dividido y hostil hacia lo diferente, la película de Del Toro se erige como un poderoso manifiesto a favor de la empatía. Nos invita a mirar más allá de la superficie, a cuestionar nuestras propias definiciones de «normalidad» y «monstruosidad». Strickland, el hombre «normal» que representa el *establishment* y la crueldad intrínseca a la intolerancia, es un recordatorio de que los verdaderos horrores no siempre residen en las sombras o en los seres fantásticos, sino en el corazón de aquellos que se creen superiores y tienen el poder de oprimir.

La película también es un homenaje al poder del cine mismo como evasión y como reflejo. Los personajes encuentran consuelo en las películas musicales y las viejas películas de ciencia ficción, estableciendo un paralelismo entre la magia de la pantalla y la magia que Del Toro teje. Este es un filme que celebra el amor en todas sus formas, lo sensual, lo tierno, lo inexplicable, y lo hace con una audacia que pocos directores se atreven a mostrar. No se contenta con ser una hermosa historia; es una defensa de la pasión, la libertad y la conexión emocional por encima de todas las barreras.

***La forma del agua*** ha dejado una marca indeleble en la cultura cinematográfica. Se ha convertido en un referente para el cine fantástico que busca trascender las meras convenciones de género para explorar profundidades emocionales y temáticas. Consolidó la idea de que Del Toro es un autor con una visión inquebrantable, capaz de crear películas que son a la vez profundamente personales y universalmente atractivas. Su éxito en los Óscar ayudó a abrir la puerta a un reconocimiento más amplio para las películas de género, demostrando que la fantasía y el horror pueden ser vehículos para narrativas complejas y mensajes sociales.

Más allá de los premios, la película ha inspirado discusiones sobre la representación de la discapacidad, la sexualidad y la otredad en el cine. Ha contribuido a la conversación cultural sobre la aceptación y la tolerancia, ofreciendo una perspectiva fresca y esperanzadora. La figura de la criatura anfibia, un ser noble y vulnerable, se ha integrado en el imaginario colectivo como un símbolo de la belleza en lo extraño y la potencia del amor más allá de cualquier límite. Su influencia se puede ver en la forma en que otras películas han abordado temas similares, buscando esa misma mezcla de lirismo, fantasía y comentario social.

***La forma del agua*** es mucho más que una fantasía romántica; es una obra maestra de la crítica social y la poesía visual. Guillermo del Toro nos invita a un acto de fe, a creer en un amor que desafía la lógica y la biología, un amor que encuentra su hogar en los márgenes de la sociedad y en las profundidades del subconsciente. Con su exquisita dirección, su profunda resonancia temática y sus inolvidables personajes, la película es un testimonio duradero de la capacidad del cine para transportar, conmover y, sobre todo, para recordar que la verdadera humanidad no reside en la «normalidad» impuesta, sino en la capacidad de amar lo diferente, de defender al vulnerable y de encontrar belleza en lo que el mundo tacha de monstruoso. El agua, en su fluidez, nos enseña que el amor, como la vida misma, no tiene una forma fija, sino que se adapta y se transforma, encontrando su cauce incluso en los lugares más inesperados, para nutrir y liberar todo aquello que toca.